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「売れないうちは粗雑な量産をすべき」
「いや、魂を込めた作品しか意味がない」
──そんな両極端な意見に、制作の手が止まっていませんか。
筆者もかつてはこの問いに悩まされていました。
しかし、活動を続けてきた中で見えてきたのは、
極端な選択をすることこそが失敗のもとだという事実です。
この記事では、
量と質のバランスをどう取るかについて、現実的かつ冷静な視点からお話しします。
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極論に引っ張られると、制作が止まる
「もっと描かなきゃ」「いや、雑なものは描きたくない」──
どちらかに偏ると、結局手が止まる。
「これでいいのか」と葛藤してる時間が長くなると、筆は進まないし、自信も削れる。
だからこそ、まずは**“中庸のスタンス”で進めることが、継続には不可欠**なんです。
最初から答えを出そうとしない。「この時期はこれでいい」と割り切る視点が、意外と必要。
「仕上げに手を抜かない」ことの価値と落とし穴
仕上げの丁寧さ、作品への没入、それはやはり正義です。
雑な作品は、言い訳の余地があっても説得力を失いやすい。
特に流通に乗るためには、「第一印象の完成度」は大きい。
日本画のように輪郭を精緻に写し、絵の具の濁りもない──
そういう“プロ感”がある作品が売れやすいのは事実です。
しかし、これには時間もコストもかかる。
そして、それが反応ゼロだったときの精神的ダメージは大きい。
「やり切ったのに誰も見てない」の恐怖に潰される作家も多いのです。
「量をこなす」ことの意味と、質を下げるリスク
一方で、「売れるまでは数を出す」という戦略も実際には有効です。
作家としての露出、SNSの投稿頻度、制作の習慣化──
すべて“描き続けること”でしか手に入りません。
特に初期は「絵の数＝データ」として機能します。
何が反応されるか、どういうモチーフが届くのか、
場数を踏むことでしか得られない気づきがある。
でも、それを“粗製乱造”にしてしまうと、
「作品への信頼」も「作家自身の信用」も削れていく。
量産が雑になればなるほど、ファンも離れていきます。
目指すべきは、“手抜きではない量産”です。
大切なのは、“何に時間をかけ、何を削るか”
たとえば「背景を省略する」「描き込みを減らす」ことは手抜きに見えるかもしれませんが、
意図をもって選べば“スタイル”になります。
逆に、ただ何も考えずにざっくり描いた絵は、雑にしか見えません。
時間をかけるべきはどこか。削っても表現力が落ちないのはどこか。
そこを自分で明確にしていくことが、“バランス感覚”なんです。
手を抜くのではなく、“力を配分する”
売れていない時期はリソースが限られます。
でもだからといって、「すべてを薄くする」のではなく、
“ここだけは徹底してやる”部分を決めることが大事。
・モチーフはラフでも、色彩だけは緻密に
・構図はシンプルでも、質感表現は妥協しない
・小品でも、タイトルとコンセプトは丁寧に作る
全力投球ではなく、ピッチャー配分をうまくやる感覚。
これが継続の鍵であり、成長の土台です。
戦略的なラフ作品と、全力作を共存させる方法
SNS投稿やスケッチブックにはラフなものを。
展示やポートフォリオには全力作を。
**“表に出す場所ごとにレベル感を変える”**というのも、重要なバランスです。
誰にも見られない実験を量産して、
見せるときだけは「これぞ自分」というものを出す。
この“出し方の設計”を工夫することで、精神的な安定も得られます。
無名時代は、実験と布石のフェーズ
まだ流通にも乗らず、フォロワーも少ない時期。
そんなときにできることは、**「質と量、両方の試行錯誤」**です。
雑でもいいから描いてみることで、自分に向く制作法が見えてくる。
全力を注ぐことで、自分の限界や強みもわかってくる。
今は「売れるかどうか」ではなく、
「次に何をすべきか」が見えるようになるまでの準備期間。
ここで極端にならず、冷静に組み立てられる人が、後から強くなります。
まとめ：今のステージに合ったバランスを探せ
作家活動において、「常に全力」「常に数で勝負」──
どちらも現実的ではありません。
むしろ、**「全力投球と実験的制作をどう使い分けるか」**が、無名作家の生存戦略です。
・丁寧に作ることの価値は失わずに
・でも、息継ぎとしての“軽さ”も持ち合わせる
・力を抜くのではなく、力を配分する
“手抜き”ではなく“選択”。
“量産”ではなく“構成”。
そのバランス感覚が、あなたの活動を長く、確かなものにしてくれます。
