STATEMENT

2026.10　≪現代社会の中で生きることへの叫び≫

私は、描く行為そのものを積み重ねることで、自分の意識や考えだけでは予測・制御できないものを生み出そうとしている。

20世紀初頭の芸術では、意識的なコントロールを手放し、無意識に表現を委ねる「オートマティズム」という手法が登場した。シュルレアリスム（超現実主義）における重要な考え方のひとつで、理性や意識による制御を離れ、夢や無意識の働きを表現しようとするものだった。一方、シュルレアリスムの初期メンバーであるピエール・ナヴィル（1904–1993）は、1925年に「シュルレアリスム絵画など存在しない」という趣旨の主張をした。絵画には構図や色彩など、意識的な判断が入り込むため、完全に意識を離れた表現は難しいという問題があった。。

この指摘を踏まえると、絵画における表現は常に身体や素材の影響を受ける「必然」から逃れることができないといえる。私の線描作品も、非意識的に描くことを基盤としているが、制作が身体を介して行われる以上、そこには必ず自分の動きという必然がある。

この「必然」を細密表現による積層と反復によって希釈する方法をとる。活動初期はボールペンだったが細密な描画ができるより強度のある画材として万年筆と顔料インクを2016年から使い始める。万年筆での描画はペン先の向き、紙の抵抗、インクが切れる瞬間、さらには気温や湿度といった環境要因が介入し、描画に不安定な変化が生じる。その蓄積結果として生まれるのは、完全な無意識でも純粋な偶然でもない。「必然」が限りなく薄まり、偶然に近づいた「ほぼ偶然」と呼べる状態である。

人間の脳には、曖昧な形や無作為なもののなかにも、知っているものの形や規則性を見つけようとする働きがある。たとえば、雲が動物の形に見えたり、意味のない模様に何かの法則を感じたりすることがある。私の作品も、意味を持たない線の集まりでありながら、見る人によってさまざまな形や秩序として受け取られる。私は、あらかじめ構図を決めて描くことを避け、作品に「無題」と名づけることで、見る人の解釈を特定の方向へ導かないようにしている。そこには、人間が何かに意味を見つけようとする働きそのものを問い直したいという思いがある。

こうした制作の背景には、幼いころから、行動や行為に意味や目的を求められることへの窮屈さがあった。現代社会では、多くのことが成果や効率、目的によって評価される。「意味がないならやらない」という考え方のなかでは、目的のない行為や、成果につながらない時間は価値のないものとみなされやすい。私にとって、あらかじめ意味や目的を決めずに描き続けることは、こうした価値観に対する抵抗でもある。

「意味のないものを描く」という行為には、意味や目的を求められる社会のなかで感じてきた生きづらさが表れている。何かを成し遂げるためだけに描くのではなく、描くことそのものを積み重ねる。その行為を通して、意味や目的がなくても存在することには価値があるのではないかと問いかけている。また、社会の決めた基準にうまく適応できない人や、そこからこぼれ落ちてしまう人たちにも、作品を通して目を向けていきたい。

安藤光

≪A Cry for Life in Contemporary Society≫

I seek to create something that exceeds the limits of what I can consciously perceive and control by accumulating the act of drawing itself.

In the early twentieth century, automatism emerged as an artistic method that relinquished conscious control and entrusted expression to the unconscious. It became one of the key ideas of Surrealism, seeking to express dreams and unconscious processes beyond the control of reason and conscious thought. Pierre Naville (1904–1993), an early member of the Surrealist movement, however, argued in 1925 that “there is no such thing as Surrealist painting.” His assertion raised the question of whether expression entirely free from conscious intervention could be achieved in painting, where decisions about composition and color inevitably come into play.

This raises the question of whether painting can ever escape the inevitability arising from the influence of the body and the materials involved. My own line drawings are also grounded in a non-conscious approach to drawing. Yet, as long as the act of drawing is performed through the body, it inevitably bears the imprint of my own movements.

I seek to dilute this inevitability through the layering and repetition of intricate marks. In the early stages of my practice, I used ballpoint pens. In 2016, I began using fountain pens and pigment ink as a more robust medium suited to highly detailed drawing. When drawing with a fountain pen, various factors introduce unpredictable changes: the angle of the nib, the resistance of the paper, the moment the ink runs dry, and even environmental conditions such as temperature and humidity. What emerges through the accumulation of these influences is neither complete unconsciousness nor pure chance, but a state I describe as “near-chance,” in which inevitability is diluted to the point of approaching chance.

The human mind tends to recognize familiar forms and patterns even in ambiguous or seemingly random things. For example, we may see the shape of an animal in a cloud or perceive a pattern in an otherwise meaningless arrangement. My works, too, consist of lines without predetermined meaning, yet viewers may perceive various forms and orders within them. I avoid deciding on a composition in advance and leave my works untitled, so as not to direct viewers toward a particular interpretation. Through this approach, I seek to question the human tendency to find meaning in things.

Underlying this practice is a sense of constraint I have felt since childhood, when meaning and purpose were expected of my actions. In contemporary society, many activities are evaluated according to their results, efficiency, and objectives. Within a mindset that holds that “if something has no meaning, there is no reason to do it,” actions without a purpose and time spent without tangible results are easily regarded as worthless. For me, continuing to draw without assigning meaning or purpose in advance is also a form of resistance to these values.

The act of “drawing meaningless things” expresses the difficulty of living that I have experienced in a society that demands meaning and purpose. Rather than drawing solely to achieve a particular result, I accumulate the act of drawing for its own sake. Through this practice, I ask whether existence can hold value even without meaning or purpose. I also hope my work will draw attention to those who struggle to conform to society’s established standards and those who fall outside them.