2026.9 ≪現代社会の中で生きることへの叫び≫
描く行為そのものを蓄積させる制作を通して、自らが意識的に認識・制御できる範囲を超えたものを追求している。
20世紀初頭の芸術において、「意識的なコントロールを放棄し、無意識に表現を委ねる」という手法──オートマティズム──が登場した。これはシュルレアリスム（超現実主義）における重要な理念であり、抑圧された感情や夢、潜在意識の声を、理性による構成を介さずに表出させることを目的としていた。
しかし、シュルレアリスムの初期メンバーであるピエール・ナヴィル（1904–1993）は、1925年に「絵画においては完全なオートマティズムは成立しない」と指摘している。線を引くという行為は、たとえ無意識に委ねたとしても、視覚的媒体においては必ず「何か」として知覚されてしまうからである。
この指摘を踏まえると、絵画における表現は常に身体や素材の影響を受ける「必然」から逃れることができないといえる。私の線描作品も、非意識的に描くことを基盤としているが、制作が身体を介して行われる以上、そこには必ず自分の動きという必然がある。
この「必然」を細密表現による積層と反復によって希釈する方法をとる。活動初期はボールペンだったが細密な描画ができるより強度のある画材として万年筆と顔料インクを2016年から使い始める。万年筆での描画はペン先の向き、紙の抵抗、インクが切れる瞬間、さらには気温や湿度といった環境要因が介入し、描画に不安定な変化が生じる。その蓄積結果として生まれるのは、「完全な無意識」ではなく、必然が極限まで薄められた「ほぼ偶然」と呼ぶべき状態である。
一方で、人間の知覚は曖昧な対象に意味を見出す傾向を持つ。これはパレイドリアやアポフェニアといった認知現象として知られており、無意味な線の集合であっても、鑑賞者はそこに像や秩序を読み取ってしまう。
この意味をつい探してしまう脳の働きに抵抗し、特定のイメージや意図を描くのではなく、反復行為や身体の偶然性、画材の特性といった要素を通じて、自我の関与を最小限に抑える。また、作品を「無題」とすることで鑑賞者に解釈の手がかりを与えず、意味が固定されることを避けている。
「意味がないならやらない」現代社会では、多くの行為が成果や効率、目的といった指標によって評価される。その中で、目的を持たない反復的な行為は一見無価値に見える。しかし、あえて「意味をもたない行為」を持続することは、こうした価値基準に対する抵抗であり問いでもある。
「無意味なものを描く」という行為は、作者が意味や目的にとらわれる社会の中で感じた生きづらさの叫びである。意味に依存しない在り方の可能性を提示し、鑑賞者が自身の知覚や解釈を問い直す機会となることを願う。
安藤光
≪A Cry for Life in Contemporary Society≫
Through a practice that accumulates the act of drawing itself, I seek to pursue something that lies beyond the range of what I can consciously perceive and control.
In art at the beginning of the twentieth century, a method known as automatism emerged—relinquishing conscious control and entrusting expression to the unconscious. It became an important principle of Surrealism, whose aim was to bring forth repressed emotions, dreams, and the voices of the subconscious without passing them through rational composition.
However, Pierre Naville (1904–1993), an early member of the Surrealist movement, pointed out in 1925 that “complete automatism cannot exist in painting.” Even when the act of drawing is entrusted to the unconscious, a line in a visual medium is inevitably perceived as “something.”
Taking this observation into account, it can be said that artistic expression can never escape the inevitability produced by the body and materials through which it is made. My own drawings are likewise based on drawing without conscious intention, yet because the work is produced through the body, the movements of my own body inevitably remain within it.
I attempt to dilute this “inevitability” through the accumulation and repetition of highly detailed marks. In 2016, I began using fountain pens and pigment ink as more durable tools capable of producing fine, sustained marks. When drawing with a fountain pen, factors such as the direction of the nib, the resistance of the paper, the moment when the ink runs dry, as well as environmental conditions such as temperature and humidity, intervene in the process and introduce unstable variations into the drawing. What emerges from their accumulation is not “complete unconsciousness,” but rather a state that might be described as “almost chance,” in which inevitability has been diluted to its extreme.
At the same time, human perception has a tendency to find meaning in ambiguous stimuli. This is known as a cognitive phenomenon such as pareidolia or apophenia. Even when confronted with a collection of meaningless lines, the viewer inevitably begins to perceive images, patterns, or forms of order within them.
I resist this tendency of the brain to search for meaning by minimizing the involvement of the self, rather than depicting a specific image or intention, and instead allowing repetition, bodily contingency, and the characteristics of the materials to determine the work. I also leave my works untitled, withholding interpretive cues from the viewer and avoiding the fixation of meaning.
In contemporary society, where actions that lack meaning are often regarded as unnecessary, many activities are evaluated according to measures such as results, efficiency, and purpose. Within such a framework, a repetitive act performed without a clear purpose may appear to be worthless. Yet deliberately sustaining an “act without meaning” can function as both a resistance to and a question directed at these systems of value.
The act of “drawing something meaningless” is a cry born from the difficulty I have experienced living in a society that is deeply dependent on meaning and purpose. Through my practice, I seek to suggest the possibility of existing without relying on meaning, while offering viewers an opportunity to reconsider their own processes of perception and interpretation.
