目次
序章：売れるという言葉の意味を考える
「売れる絵」という言葉を聞くと、少し商業的な響きを感じる方も多いかもしれません。
ですが、絵が“売れる”というのは、必ずしもお金のためだけに描くということではありません。
むしろ、作品を「買いたい」と思ってもらえる状態とは、
自分の意図や表現が、誰かの心に届いたということ。
その瞬間は、アーティストにとって“共感の証”でもあります。
私自身、長く作品を制作してきて感じるのは、
「売れる絵」には必ず人とのつながりがあるということです。
それは媚びることでも、流行を追うことでもなく、**“寄り添う姿勢”**の延長線上にあります。
私自身、キャリアの初期に「どんな絵なら売れるのだろう」と考え続けてきました。
サイズ感、独自性、価格帯、展示の仕方──どれも関係はありますが、決定的な要因ではありません。
むしろ、反発よりも寄り添う作品が、最初の段階では届きやすいように感じます。
関連記事：画家の「売れなくてもいい」は本心か？作品を売ることへの葛藤
第一章：売れる絵に共通する3つの要素
1. サイズの“ちょうどよさ”
最初に作品を購入する方が選ぶサイズには、ある程度の傾向があります。
大きすぎると飾る場所に困り、小さすぎると印象が薄くなってしまう。
そのため、25〜40cm角程度の作品がもっとも手に取られやすいサイズだと感じています。
このくらいの大きさなら、自宅にも飾りやすく、作家としても搬入出や額装の手間がほどよい。
「ちょうどよい存在感」というのは、アートを身近に感じてもらう第一歩になります。
2. ユニークさの方向性を調整する
「個性的であること」はもちろん大切ですが、あまりにも独自性が強いと、観る人に“拒絶”の印象を与えることもあります。
特にキャリアの初期は、特定の層に心地よく響く個性を意識してみるのがおすすめです。
私は作品制作の際、カラーパレットを少しずつ調整しています。
完全に新しい色を探すというよりも、自分の線と観る人の感情が交わる場所を探す感覚に近いです。
“突き放す個性”よりも“寄り添う個性”。
そこに、人の心を引き寄せる力があると感じています。
3. 販売ルートをひとつに絞らない
絵が売れる経路はひとつではありません。
ギャラリー、オンラインショップ、展示販売、委託など、複数のルートを残しておくことが大切です。
ギャラリーでは作品の文脈や作家性が重視されますが、オンラインでは直感的な印象が重要になります。
どちらも大切であり、どちらかに依存すると活動の幅が狭まります。
複数のルートを持つことで、表現を続けるための土台ができ、作品を通して伝えたいことも守りやすくなります。
第二章：「売るために描く」と「伝わるように描く」は違う
作家活動をしていると、「売るために描いているように見られたくない」と思うことがあります。
それは自然な感情だと思います。
けれど、「伝わるように描く」ことは全く別のことです。
誰かに届くように意識するのは、自分を曲げることではなく、作品の意図を相手に届ける工夫です。
色味、構図、余白のとり方、作品の置き方──どれも“観る人が心地よくいられる状態”を考える行為です。
媚びではなく、対話の設計です。
どれだけ強い個性を持つ作品でも、伝わらなければ存在していないのと同じです。
だからこそ、「伝わるように描く」ことは、作品の尊厳を守ることだと私は思います。
第三章：観る人の時間を想像する ― 絵の余白と“滞在感”
絵を描くとき、私は「この作品の前で人がどれくらい立ち止まるだろうか」と想像します。
売れる絵には、見る人の“滞在時間”が存在します。
数秒で視線が通り過ぎる作品と、気づけば何分も立ち止まって見入ってしまう作品。
その違いを生むのは、余白と呼吸の設計です。
余白とは、何も描かれていない空間ではなく、見る人の思考が入り込める場所。
あえて描かない、線を止める、色を抑える──そのすべてが、観る人の内側に“想像の余地”を与えます。
作品の前で時間が止まるような感覚。
それは、作品が「語りすぎない」ことから生まれる静けさでもあります。
私自身、線画を描くときは、描くことよりも“止めるタイミング”に神経を使います。
どこまで描けば伝わるのか、どこで止めれば“間”が生まれるのか。
その見極めが、絵に滞在感を宿すと感じています。
「売れる絵」というのは、見た瞬間に伝わるわかりやすさではなく、
“何度も見たくなる”ような深呼吸を許す作品です。
第四章：人は「自分を見つけてくれる作品」を求めている
アートを購入する人は、作品を通じて“自分の内側”を見ているのだと思います。
誰にも見せていない部分、自分でも言葉にできなかった感情を、作品が代弁してくれる。
そのとき、人は「この作品を手に入れたい」と強く感じるのです。
だから、作家がすべきことは“高く売る”ことではなく、
その共感が生まれる条件を整えることです。
サイズ、色、質感、構成──それらはすべて、
観る人が「自分を見つけられる場所」を作るための要素です。
第五章：絵描きが生き残るための工夫
理想だけで活動を続けるのは難しいものです。
絵を描き続けるためには、制作費、時間、環境など、現実的な条件も整える必要があります。
だから、「生き残るための工夫をする」ことは恥ずかしいことではありません。
むしろ、作品を描き続けるための責任だと思っています。
時にはオリジナル作品の販売とは別に、
プリント作品や小サイズの作品など、価格帯を複数に分けることも必要でしょう。
それによって、さまざまな層の方が「自分のタイミング」で作品に触れられるようになります。
重要なのは、価格によって作品の本質を変えないことです。
どんな価格でも、そこに込めた意味や意志は同じでありたいと思っています。
第六章：誰のために描くのか ― ペルソナを想定してみる
企業が商品を販売するとき、まず行うのが「ペルソナ設定」です。
どんな人が使うのか、どんな生活をしているのか、どんな気持ちでそれを選ぶのか。
それをできる限り具体的に想像します。
絵画でも、この考え方は応用できます。
たとえば「この人なら絶対に買ってくれる」と思うような、たった一人を想定して描いてみる。
もしかすると、そこまで明確に“誰かのために”描いている人は少ないかもしれません。
ですが、その一枚に込められた「想いの焦点」は、確実に作品に現れます。
見る人にとって「この絵は自分のためにある」と感じさせる力を持つのです。
たとえば、
30代後半、デザイン関係の仕事をしていて、休日は静かなカフェで過ごすのが好き。
感性を大切にしていて、部屋の中に“自分らしい空気”を作りたいと思っている。
そんな一人を思い浮かべてみると、作品の方向性が自然に定まってきます。
色味やサイズ、額の雰囲気、その人の部屋に合うかどうか──。
想像を重ねながら描くことで、作品に現実の温度が宿ります。
それは狙いではなく、「届くための想像力」です。
第七章：特定の一人を思い浮かべることで見えるもの
絵を描くとき、「誰かのために描く」という感覚は意外と少ないものです。
多くの場合は、「自分のため」や「表現のため」に筆を取ることが多いのではないでしょうか。
けれども、もし一度だけでも“この人のために”という気持ちで描いてみたら、
作品にはこれまでとは少し違う表現が宿るかもしれません。
たとえば、「この人ならきっと買ってくれるだろう」と思える一人を想定してみるのです。
それは実在する人でも構いませんし、過去に作品を購入してくださった方や、
「この人に絵を持っていてほしい」と思える方でも良いと思います。
その人が部屋に飾るときの光の入り方、部屋の雰囲気、好みの色やモチーフ、額縁の材質──
そうした細部まで想像しながら描くことで、作品に具体的なリアリティが生まれます。
そして、そのリアリティは結果的に“より多くの人に届く”こともあります。
なぜなら、たった一人を深く思い描くことで、
観る人が「この作品は、自分のことをわかってくれている」と感じるからです。
面白いことに、そうして描いた作品は、想定した人以外の誰かの心に届くこともあります。
「この絵、まるで自分のことを描いているみたい」と言われる瞬間、
作品が“人に届く”という意味を実感します。
終章：売れるということは、届くということ
アートにおける「売れる」は、取引の成立ではなく、誰かに必要とされる瞬間だと思います。
作品が誰かの心に触れ、その人の生活の一部になる。
それが本当の意味で“売れる”ということではないでしょうか。
自分のスタイルを大切にしながらも、相手の心に届く工夫をする。
そのバランスの中で生まれる作品こそ、価格を超えて人の記憶に残るものになるのだと思います。
「売れる絵」とは、誰かの心に静かに寄り添う絵。
それは作家自身の誠実さの延長線上にあるものです。
そして、その誠実さこそが、作品を通して人とつながる力になるのだと思います。
